Les peintres du XIXe siècle

La palette de J.A.D Ingres était composée de : Blanc d’argent / Ocre jaune / Ocre de ru / Terre de Sienne brûlée / Vermillon / Cinabre / Brun-rouge / Brun Van Dyck / Cobalt / Bleu minéral / Bleu de Prusse / Noir d’ivoire et laque de garance rouge. 

Pour savoir quel blanc ou quel noir choisir, cliquez ici!

Quant à T. Géricault, l’ambiance qui régnait dans son atelier était très solennelle. Il faisait ses mélanges sur son oeuvre directement, et non sur la palette.

Un grand silence était nécessaire à M. Géricault, on n’osait ni parler ni remuer autour de lui, un souffle le troublait. Il peignait sans se reprendre, toujours le modèle sous les yeux, et cela nous étonnait qu’il se servît de pinceaux plutôt petits pour faire cette large peinture, et de voir comme sa palette restait propre… Soixante ans dans les ateliers des artistes. Dubosc modèle.

Peindre comme Eugène Delacroix

Eugène Delacroix (1798-1863) est considéré comme le peintre le plus talentueux de sa génération. Alors qu’il a reçu un enseignement traditionnel, il a su toutefois marquer par sa modernité.

Evolution des traditions

Selon la tradition, et notamment les écrits de Leonard de Vinci, la lumière au sein d’un portrait doit être en adéquation avec le caractère du modèle.

Par exemple, les visages maigres et osseux doivent être peints avec une lumière forte afin que les ombres dessinent bien les saillies et mettent en avant les arrêtes du visage. Au contraire pour les têtes rondes et “bien en chair”, les lumière doivent exister que sur les bords, toujours légères afin de créer un modelé doux et de mettre en avant l’arrondi du visage. Sinon ce manquement nuit à la grâce et au caractère.

Cet enseignement d’ “idéalisation” et de mise en valeur de la nature a perduré jusqu’à la moitié du XIXe siècle.

A cette époque les peintres s’affranchissent des traditions, ils se permettent de peindre ce qu’ils voient et ce qu’ils pensent, et pas seulement ce qu’ils ont appris. L’observation de la nature est donc prisée.

Terminé le temps du clair-obscur, le travail des ombres devient beaucoup plus naturel.

Sa pratique, sa technique

• Delacroix réalise de nombreux dessins préparatoires et aquarelles de ses futurs compositions. Il étudie ses modèles et ses sujets dans leur mouvement et leur lumière.

• Par opposition à la méthode traditionnelle qui consistait à apprêter le support d’une préparation ocre rouge (imprimatur), les jeunes peintres du XIXe siècle décident de peindre sur des supports clairs afin d’augmenter la luminosité et ainsi éviter l’assombrissement des œuvres. Delacroix peint sur des toiles soigneusement préparées d’un enduit composé de colle et de chaux.

• L’ébauche est réalisée avec une peinture brune très diluée, partant du plus foncé au plus clair. L’ébauche est peu précise, elle sert simplement à mettre en place les masses d’ombre et de lumière.

• Son empâtement est particulier puisqu’il est épais dans les parties proches de l’observateur et s’amincissent en s’éloignant. Le premier est donc traité de manière spontanée et audacieuse, contrastant avec l’arrière-plan qui est crée de touches progressivement atténuées. La peinture devient de plus en plus floue en s’éloignant.

• Ensuite Delacroix rajoute les ombres par couches successives, parfois même quand la couche précédente est sèche. Il réalise des lignes de contours sur certains éléments du sujet afin d’arrondir les formes.

• Puis il applique grossièrement quelques détails ci et là avant de mettre quelques glacis. Ces rehauts sont appliqués avec une peinture brute, non-diluée (par frottis)

• L’étape ultime, celle du vernissage : le vernis final n’est appliqué qu’après plusieurs mois d’attente (au moins 6 mois), c’est le temps nécessaire à la peinture à l’huile pour se durcir. En savoir plus. Cependant, il existe un vernis temporaire qui fait très bien l’affaire ! Il protège l’oeuvre, ravive les couleurs et permet éventuellement de faire des retouches, il se nomme : vernis à retoucher ! En savoir plus.

Selon Xavier de Langlais (La technique de la peinture à l’huile), il n’y a pas de période plus triste techniquement que le XIXe siècle, cela est causé par la quantité phénoménale de craquelures présentes sur la plupart des œuvres majeures de cette époque. Notamment à cause de l’usage immodéré du bitume, par l’abus des repentirs (des repeints), qui aujourd’hui sont davantage visibles puisque l’huile en vieillissant devient transparente, ainsi que de l’usage excessif d’huile avec des vernis appliqués trop tôt.

Cette mauvaise pratique du métier n’est pas due à une méconnaissance car les peintres de cette époque ont tous reçu un enseignement académique, mais plutôt à une révolte de ce formalisme imposé par les codes académiques. Ces peintres, à ne pas vraiment respecter les règles techniques anciennes, ont ouvert le champ des possibles dans la manière de créer.

La théorie des couleurs par Chevreul en 1839 n’a fait que favoriser l’évolution de cette modernité. Ainsi les jeunes artistes avaient de bonnes raisons, non seulement de contredire les coutumes traditionnelles, mais également d’innover grâce à cette nouvelle compréhension de l’environnement.

Cette mouvance à permis d’élargir la création rapidement car dès le milieu de siècle sont apparus les Impressionnistes, faisant tomber définitivement l’Académie.

Mais ça, c’est une autre histoire… cliquez ici!